Interview インタビュー

オーボエを志したきかっけは何だったのですか？

実際に演奏し始めたのは中学の吹奏楽部だったのですが、それまでに実はいくつか出会いがありまして…
1つ目は、故郷宮崎の小学校に通っていた低学年の頃、確か九州交響楽団が体育館にやって来てくれて、演奏を聴く機会がありました。
その時にリードだけで音が鳴る面白い楽器があったなぁと印象に残っていて。

2つ目は、4年生の音楽のテストで “クラリネットとオーボエを選ぶ” 問題が覚えられなくて…初めて出会った「オーボエ」という名前と“先が細い”ということを必死に記憶してテストに挑みました。

その後オーボエを演奏することになったのはたまたまで、中学校の吹奏楽部に入部して小さめの楽器を希望して出したんです。
フルート、クラリネット、そして残りの枠を埋めるためにオーボエと書いて…

希望したわけではなかったんですね（笑）

そうしたら“オーボエ”と書いたのは私だけだったので、自動的に（笑）
どんな音がするかも知らないけど、いざ担当になってみると「あの時リードだけでビービー鳴らしていたのがこのオーボエだったのか！」と繋がって…

伏線回収ですね！！

そうなんです。どんなところで繋がっているか分かりませんよね。
高校の吹奏楽部でもオーボエを続けて、そこではオーケストラの編曲作品を演奏する機会が多かったのでオーケストラの演奏を聴くようになったのですが、その音楽の幅広さに驚かされて、“いつか私もオーケストラで演奏してみたい”と夢見るようになりました。

そこから音楽の道を志すのは自然な流れだったのですか？

それまで地元の先生に習っていたのですが、高校2年の終わりにオーケストラの九州公演でいらっしゃった広田智之先生のレッスンを受講する機会があり、そこで音大受験を勧められて初めて考え始めました。
もうそこから1年後には受験が迫って来ているわけで、大急ぎで受験の課題に取り組み始めました。
月に1回東京に日帰りで通い始めて、先生に与えられた課題よりももう少し先までエチュードを頑張ったりして…先生が仰っていた「受験生は1日10時間の練習が必要」という言葉を実践しようと頑張りました。

念願の東京藝術大学に入学して、どうでしたか

もう何より嬉しくてたまらなかったです！
自分より上手な人たちと演奏するのが楽しくて、合唱の授業ではもらった楽譜ですぐハモってるし、当たり前ですが「周りには音楽をやってる人しかいない！」という喜びが大きかったです。

3年生までは寮で暮らしましたが、そこには真っ青に塗られた共有スペースがあったり、毎日漫画を読んで過ごしていると思ったら突然制作に明け暮れる美術の友人がいたり…
「芸術大学に来た！」という実感でいっぱいになり嬉しかったです。

2年生からは、夏にヨーロッパの講習会に参加するようになり、4年生の時には木管五重奏でハンガリーの講習会に参加しました。ファルカシュの作品などを通して土着の音楽について知ったり、いきなり集まったメンバーでプーランクのトリオを演奏してみたり、室内楽の楽しみを知ったような気がします。

学生生活は順風満帆だったんですね！

それがそういうわけでもなかったんです（笑）
入学して小島葉子先生に習うことになり、やったことがある曲を聞かれたのですが、受験の1年前に本格的にレッスンに通い始めた私は、入試の課題だったハイドンしかやったことがなく…（苦笑）
レパートリーの少なさには苦労しました。

小島先生はモーツァルトの協奏曲を徹底的に教えてくださいました。
1回のレッスンで1小節しか進まないくらいに細かく指導してくださり、その合間に試験やコンクールの課題を挟むような流れでした。
4年生になってやっとモーツァルトが終わりまで辿り着きそうな頃に、いくつかコンクールを受けて賞をいただけるようになり、初めて手応えを感じることができました。

東京藝術大学の卒業後、オーケストラでのキャリアは東京交響楽団への入団から始まったのですね。

実はオーディションの直前に日本管打楽器コンクールの受賞者演奏会があり、その伴奏が東京交響楽団だったんです。
さらにオーディションの前日は津山国際総合音楽祭の優勝記念コンサートで、ちょうど課題のモーツァルトを演奏していたんです。
夜行バスで東京に帰って、家に立ち寄って着替えてオーディションという慌ただしい流れで、緊張する余裕もなかったのが良かったのかもしれません。

すごいタイミングですね！！

確かその当時、芸大在学中の4年間では3つしかオーディションがなく、本当に運が良かったです。

オーケストラへの入団後、留学された時のお話もお聞かせください。

フランソワ・ルルー先生のコンサートを聞いて、この人の下で学びたいと思うようになりました。
そして東響に勤めて4年目の夏を迎えた2000年8月に、文化庁の在外研修生としてミュンヘンに渡りました。
1年間と期間が決まっていたので、明確な目標を持って取り組みました。
まず、ダイナミックレンジを広げること、そしてソロのレパートリーを増やしたいということ。また、多くのコンサートを聴いて作曲家それぞれの“らしさ”を知るなど“音楽の本質”を学びたいということも。

実際の暮らしはどうでしたか？

それまでのオーケストラでの練習と本番に追われる日々では、自分のために練習するという時間がなく、だんだん自分の音や音楽が見えなくなってしまっていました。
そこから離れて留学してみると、24時間全てを自分のために使える喜びで、思う存分練習しました！
大学生の時はぼんやりさらっていたのが、オケでの活動を経て足りないものが見えていた状況だったので、“人に聞かせる”ということを意識して積み上げる練習ができました。

ルルー先生が与えてくれる課題は莫大で…最初に与えられた課題は＜C.P.E.BachのソナタWq135＞＜ドラティのデュオ・コンチェルタンテ＞＜J.S.Bachの1030番＞＜シュトラウスの協奏曲＞＜ホリガーのエチュード＞の5作品。バロックから現代まで同時に練習するとそれぞれの違いも明確に感じることができて、とても良い勉強ができました。
先生がバイエルン放送交響楽団に所属している頃だったので、毎日リハーサルも聴かせてもらいました。

なんと濃密な！

その1年間は、オーボエを始めてから藝大を卒業するまでと同じような密度に感じましたね。
ルルー先生の演奏は弦楽器のようで、ppもffも音楽的。
そしてどんなに難しいパッセージも音楽が生きていて…オーボエの限界が取っ払われるような魅力がありました。
帰国後にはミュンヘンで学んだ全てを自分の中で消化しようと頑張りました。

その後、NHK交響楽団へ移籍されましたね。

実はN響のオーディションを受けることを決めた時には、まだ自分のイングリッシュホルンを持っていなかったんです。オーディションを受けるために楽器を買いました。

えっ！？

前任の浜道晁さんの定年が間近で、とにかくイングリッシュホルンを吹ける人がいないと困る！というタイミングでのオーディションだったこともあり、オーケストラスタディは全てイングリッシュホルンの課題でした。
そして入団してからはほとんどがイングリッシュホルンを吹く出番。
演奏するレパートリーも東響とは大きく違っていて、最初の2年くらいは慣れるまで必死でした。
同じ頃に母校である東京藝術大学での勤務も始まり、正直忙しすぎたのかあの頃のことはあまり記憶がありません（笑）

入団当時とは、N響の団員の皆さんも大きく入れ替わられているのではないですか？

年齢層も若返りましたし、何より女性が増えて、今では楽屋でママトークをしています！
私もN響入団から10年程が経った2012年に出産しました。
レパートリーもやっと一周して、準備の仕方も分かってきたかなというタイミングでした。

出産を経てみると、オーボエを吹くことだけでなく”この子を育てる”という大切な存在意義ができた気がして、演奏に関してもちょうど良い気持ちの置き所ができました。
夜も寝ずに準備に取り組めていた環境から、「シッターさんが来てくれているこの2時間でなんとかする！」という心境に変わると、結果的に集中できて良かったような気がします。
タイムリミットが来てしまったらそこで割り切るということもでき、精神衛生上は楽になったかもしれません（笑）

楽器やリードのこだわりついても教えてください。

高校2年生の頃からずっとマリゴを吹いています。
音というのは、自分の中から出てくるものだと思っていますが、その想いの通りに応えてくれるのがマリゴですね。
M2は新製品として発表された1年後くらいのタイミングからずっと吹いています。

新しい楽器が好きで比較的頻繁に買い換えることも多いのですが、M2はトップジョイントを替えるだけでまるで新しい楽器を手にしたような感覚、吹き心地になるのがメリットですね。モパーネのトップジョイントも持っていますが、それはソロで演奏する時に使うなど吹き分けています。
901には低音の柔らかさに魅力を感じますし、羨ましいなぁと思う部分もありますが、楽器を選ぶときには自分がどこを大切にしているのか、また我慢できないところはないか、を考えて選ぶと良いと思います。

リードのセッティングは？

リーガーのメーキングマシンで8割ほど削ってから、残りの2割は手削りで仕上げています。
チューブは長年Eterionの47mmを使っています。

2ndパートを演奏するにあたっては音程が取りやすいことがとても大切ですが、特に優れていると感じて気に入っています。今は生徒にもこのチューブを薦めています。
個人的に息が入りすぎるリードは苦手で、健康的に息は入るけどppに落としても必要以上の体の支えを使わないで良い、息の圧力のコントロールが自在にできるものが理想です。

イングリッシュホルンもマリゴをお使いですね。

とてもバランスの取れた楽器で、オーボエと同じくまとまってしっとりとした音色が魅力です。
しっかりしたボーカルを合わせてみた時に“よく鳴る楽器”だと感じて吹き始めました。
直近で試した新しい楽器は、よりクリアな音も出しやすくなっていますね。

リードはロレーのチューブで、全長は56mmです。3000人が入るNHKホールで大きい音量を出そうとする時に、短すぎると鳴らなかったり、幅が広すぎるとコントロールが難しかったりして、今のサイズに落ち着いています。
でも、もし会場がオペラシティのタケミツホールで静かなソロを吹くとしたら、1mm短くしたりするかもしれないです。
フルに息を入れている時と堪えながら息を入れている時では音程も違いますし、さらに音楽に合わせて息の使い方が変わると、理想のリードも変わってきますよね。

イングリッシュホルンという楽器は、どのように捉えていますか？

イングリッシュホルンは、オーボエとはまったく別の楽器だと感じています。
良い鳴り方もまったく別のところにありますし、持ち替えて簡単にすんなり吹けるような楽器ではないので、オーボエの吹き方が分からなくなるくらい真剣にイングリッシュホルンだけを吹く時間があっても良いのかもしれません。
そして、できたら自分の楽器が持てると良いですね。
借りて吹くのと自分の楽器を手にして吹くのでは、やはり取り組み方が違います。
愛情が湧いてきて、のめり込めますよ。

それからオーケストラの中でイングリッシュホルンを吹くのは、オーボエとは違う楽しみがあるんです！
目の前に座っているチェロとのユニゾンを吹いていると、弦楽器の中に混ざって仲間になれるような一体感を感じます。個人的にはソロパートを吹くよりも、その混ざり方に楽しさを覚えます。

オーボエを演奏される皆さんにアドバイスをお願いします。

まず「楽器は絶対に調整に出すこと！」
楽器を整え、リードも良い状態にして、自分の体も良い状態にする。
その3つが揃えば、きっとみんな上手に吹くことができるんです。

生徒さんもたくさんいらっしゃいますね。

たくさんの努力をして楽しそうに吹いている姿を見ると、出し惜しみせずたくさん教えたいと思います。
そしてレッスンはギブアンドテイクで、生徒さんに子育ての悩みを相談したり、いろいろな情報を交換したりして世の中の仕組みを知る機会をもらっているような…
やっている人が少ない楽器だからこそ、小さなコミュニティの中からの広がりを感じます。

この小さな楽器で繋がれるなんて、楽しいですよね。
そう、良いリードがいっぱいあれば良いですよね…
生徒さんに良いリードを渡した時の嬉しそうな顔が思い浮かびます。
良いリードを持っていることは平和のきっかけなんですよね、きっと世界を救ってくれる（笑）